歌剧在本地是相当冷门的演出，对本地歌剧团体来说，如何让观众踏出第一步至关重要。
经典歌剧作为票房担当，或许对部分歌剧爱好者特别受用，但近年来，许多歌剧团体开始尝试创新、本土化的道路，以全新作品争夺年轻观众猎奇的目光。
每一场演出的成功与否，可能影响剧团的发展；选择经典或创新作品，歌剧团体各有考量。
与戏剧、音乐剧相比，歌剧演出在本地相当冷门。一方面是因为歌剧传统源自欧洲，与亚洲文化似乎隔了一层。另一方面，“歌剧”一词在普罗大众的心中，似乎被祭奠在历史的神坛上，无法走入现代生活。
对本地的歌剧团体来说，如何让观众改观，踏出第一步至关重要。尤其在经费有限的条件下，每一场演出的成功与否，很可能直接影响剧团的发展。
作为票房担当的歌剧经典《卡门》《茶花女》《波西米亚人》《阿依达》，或许对一部分歌剧爱好者特别受用，但近年来，许多歌剧团体开始尝试创新、本土化的道路，以全新作品争夺年轻观众猎奇的目光。
新加坡歌剧团
从经典出发增加受众
正在筹备于8月底呈献歌剧名作《卡门》的新加坡歌剧团，可以追溯到1991年，堪称本地最资深的歌剧团体。该团艺术总监阮妙芬回忆，剧团从最初在嘉龙剧场表演，再到维多利亚剧院，几经辗转终于在2005年首次登上滨海艺术中心的舞台。迄今为止，剧团坚持，每年都在滨海艺术中心剧院举办一场大型演出，一晃已14年。
这些年来，新加坡歌剧团为本地观众演绎的作品，以圈内流行的经典作品居多。自阮妙芬掌舵以来，已带领团队制作《阿依达》与《图兰朵》两部大制作。目前她也是香港演艺学院声乐系主任。
阮妙芬说，新加坡需要一个像新加坡歌剧团这样的艺术团体，用经典作品去抓住观众，推广歌剧艺术。
作为非牟利的艺术团体，阮妙芬说，剧团制作费很大程度上仰赖捐款和赞助，如何在有限开支下吸引观众最关键。
她坦承，滨海艺术中心剧院每场演出多达1800个座位，售票压力不小。若剧目太冷门，会影响票房和剧团的发展。虽然现阶段的观众更愿意为一些耳熟能详的节目买单，但阮妙芬相信，这只是暂时的，将来她也希望在有余力的条件下，为观众呈献更多元的作品。
面对经典巨著，本地剧团有没有实力驾驭？
阮妙芬说，好的演出就像一道菜，食材贵重固然好，但如何搭配才是关键。
比起在香港平均一个制作要价100万美元（137万新元）的成本，新加坡歌剧团的财力很难望其项背。但阮妙芬相信，剧团不应该把重心放在豪华的道具和世界顶级的歌唱家。相反，鼓励本地歌手登台与大合唱、舞蹈、大乐队融洽地合作，全心全意地栽培剧团各方面的能力，才能保证演出质量。
以即将上演的《卡门》为例，此次出演的11名主演当中，除了女主角由台湾次女高音翁若珮担任以外，男主角唐·荷塞和艾斯卡密罗，将分别由本地男高音郑渊智和男中音吴翰卫分别饰演，其余演员也全是本地人或本地培养出来的歌剧人才。这也是剧团历年来出动最多本地演员的制作。
拥有30年从艺经验的阮妙芬十分清楚，歌者除了要有天分，更需要表演机会，才能有所突破、提升。新加坡歌剧团因此连续14年举办“青年艺术家企划”，不断培养本地人才。阮妙芬也发现，一些歌者为了演出，正在组成小型团体，从小制作寻找出路。她认为这是可喜的现象，说明本地歌剧市场仍然有各种可能性。
新歌剧团
创新是为了寻找真实感
即将在两年后迈向建团十周年的“新歌剧团”（New Opera Singapore），向来以前卫的方式诠释歌剧，并因此在本地占了一个独特的位置。
创始人郑艾莉是剧团的艺术总监，原籍韩国的她与本地大提琴家曾伟成是一对艺术伴侣。自2011年创团以始，郑艾莉就在不断开拓“歌剧”的边界，从现代人的处境出发，让歌剧艺术从传统中脱胎换骨。
2016年，剧团改编著名作曲家雅克·奥芬巴赫的《地狱中的奥菲欧》（Orpheus in the Underworld）。由于郑艾莉让一些歌剧演员身穿内衣登台，让这部充满讽刺意味的滑稽作品更显大胆、挑逗之余，也引起一些人的非议。
“这是21世纪的歌剧，它应该反映我们的生活、想法。不是把歌剧摒弃在博物馆里……作为一种艺术表达。我对歌剧的创新，更多的是为了寻找一种真实感。”郑艾莉说，她考虑的不是迎合观众，让演出成为人们一笑而过的消遣。相反，她认为一出成功的演出，必须让观众对歌剧多一些好奇，少一些恐惧。
剧团每年举办一场大型演出，三场小制作，经费总是很紧张。但郑艾莉善于换位思考，选择作品之前，最先考虑的是曲目与本地歌手的兼容性。“外国顶尖歌唱家任何人都可以请，我们的宗旨是培育本地歌手……总有人说经费不够，没有能唱的人才，但我不这么认为。其实经费稍显不足的时候，也是考验剧团创造力的时候。”
郑艾莉喜欢用简约风格审视歌剧，她相信歌剧可以更具现代美感，问题在于观众始终抱着对歌剧既定的印象不放，她最大的挑战是让他们改观。
问及观众的接受度，郑艾莉坦承，剧团经常尝试新作品，不大演绎流行经典作品，这就是“新歌剧团”的意义所在。“对内行观众来说，他们不会满足于流行作品，这就需要更多元的节目。更多的观众其实并不认识歌剧，他们又需要另一种歌剧内容。”
为了降低欣赏演出的门槛，剧团推出“歌剧谁怕谁”（Who's Afraid of Opera）系列，以简短的篇幅浓缩大型经典曲目。郑艾莉说，早期剧团也做许多“本土化”尝试，在歌剧中加入本地方言、俚语，将故事场景搬演至现代生活等。与此同时，剧团尽量维持亲民的票价，尽可能争取最多的观众。如今，新歌剧团已经培养一群年纪介于20岁至30岁的观众群。
来临的8月中旬，新歌剧团将呈献莎士比亚的喜剧《仲夏夜之梦》，郑艾莉说，剧团也为观众准备别具风格的现代诠释。她说，眼看剧团要迎来第十个年头，她希望能继续带领剧团做出更大胆、更有勇气的作品。
郑艾莉发现，在创新的道路上也有许多新兴歌剧团体正在从事小制作。她指出，本地的年轻剧团还在起步阶段，既需要鼓励但也有提升品质的空间，须要继续从创新中找到自己的位置。
歌剧人
小制作还在摸索
近年来，新兴歌剧团体从小制作出发，正在稳步地建立自己的观众群，站在舞台上的往往是一群年轻歌手。
刚满一周岁的“歌剧人”（The Opera People）由郑渊智、郑渊勇创立，他们最初的创团目的，就是为了帮助本地年轻歌手，为他们提供一个演唱平台。
剧团刚在本月完成一部改编自奥地利作曲家策姆林斯基的独幕剧《侏儒》（Dwarf），出动16名介于19岁至39岁的本地演员，34人的交响乐团，这也是该剧在东南亚的首演。
郑渊智坦承，对剧团来说，这场演出是他们到目前为止最大的制作，在滨海艺术中心的另艺聚场（Annexe Studio）举行，每场演出可容纳120位观众。“观众是在近距离观看台上的演出，演员的每个轻微的动作都能传达给观众，我觉得这类‘亲密’的演出，可以引起共鸣，打动观众。”
相比于大制作，剧团针对小众制作的作品虽然有一定的售票压力，但也有足够的创意空间供剧团尝试、实验。
剧团制作人玛尼（Shridar Mani）也是新加坡艺术之家的节目经理。他说，对年轻观众而言，“歌剧”的意义须要不断地被重新诠释。“我16岁第一次接触歌剧，从此被深深打动。虽然本地人对歌剧有些陌生，但我的热情在于如何通过我们的手，把歌剧打造成本地文化可以接受的形式。不只是针对爱好歌剧的人，而是让所有人都能产生共鸣的艺术。”
虽然一些观众希望看到剧团挑战经典巨著，但郑渊智认为还不到时候，一方面没有足够的经济条件，另一方面剧团擅长具有创意、亲和力的演出方式会被限制。“我们需要管理观众对我们的期望值，同时也要在经费上把关。所以对我们而言，目前的首要挑战还是建立属于我们的观众群。”
可喜的是，郑渊智发现，本地市场对歌剧的需求正在升温。不仅歌剧演出增加，新加坡交响乐团和新加坡华乐团的演出，也更容易看到男女高音的身影。明年，剧团希望带来三场演出，包括斯特拉文斯基的三幕剧《浪子的历程》（The Rake's Progress）。
郑渊智说，本地歌剧圈子很小，但为了生存，许多歌手都一边兼职，一边演出。他希望能够通过“歌剧人”，把爱好歌剧的人团聚在一起，在力所能及的范围内，帮助本地歌手成长和进步。
