【艺评】“南音”今声奏响京城——听新加坡湘灵音乐社音乐会

北京的秋天素有一年中最美季节之誉，人们称之为“金秋”。昨晚适逢农历八月十五，由新加坡《联合早报》主办的“新加坡文化节（北京站）”展示活动在北京大华城市表演艺术中心举行。其中，一场以福建南音与印度传统音乐为素材的原创多媒体音乐会，以跨界融合的形式呈现，音乐类别归于“世界音乐”范畴，别开生面。该音乐会经过精心设计，将声、光、像融为一体，以全新的视听体验，为观众带来新颖的审美感受，连演三场座无虚席，一票难求，深受观众喜欢。

自20世纪上半叶新文化运动以来，国乐的继承与发展始终备受学界关注。尤其是刘天华先生提出“国乐要与世界音乐并驾齐驱”这一重要议题之后，它一直是理论界与民族器乐表演、创作领域共同重视的课题，至今尚未形成被广泛认同的理论框架。笔者长期关注民乐发展新动向，如何继承、借鉴、创新等问题，亦长期萦绕于心。此次恰逢新加坡文化节期间，这场音乐会为笔者带来了新的感受与思考。

湘灵音乐社成立于1941年，是新加坡知名艺术团体之一。创始人丁马成先生钟爱南音，倡导改革南音、重振南音，秉持扎根传统又勇于创新的发展理念。十余年前，笔者曾应邀访问湘灵音乐社。那是一座简朴的房子，不大的空间里聚集着一批南音爱好者，其中既有研究者，也有创作者、演奏者、演唱者，老中青皆参与其中。令笔者印象尤深的是，该社格外重视培养年轻人，让年轻人学习南音、喜爱南音，并大力推动南音普及。在社区、剧院、音乐厅等场所，常能看到湘灵音乐社的身影，听到那古老而神秘的东方之音——南音。该社提倡在继承的前提下发展南音、创新南音，为时代讴歌。

本场音乐会由新加坡湘灵音乐社原创打造。其创意意在“一同踏上一段跨文化的探索之旅——古老南音邂逅印度音乐的律动脉搏。两种承载着不同节奏、声韵与灵魂的古老传统，在此聚合为同一声呼吸、同一脉律动、同一道音流”。音乐会分为“谛、聆、省、悟、释”五个部分，既采用《梅花操》南音古谱、丁马成创作的《感怀》等传统南音元素，又融入南印度古典音乐卡比提拉纳（Kapi Tillana）、达纳什里提拉纳（Dhanasri Tillana）、尼迪恰拉（Nidhi Chaala）、拉格姆—塔纳姆—帕拉维（Ragam-Tanam-Pallavi）等元素。

舞台将声、光、像结合起来，在全黑背景中，以灯光控制每一名表演者。每当表演者出现，便有一束淡光落下，使舞台显得干净、安静，也让观众得以仔细聆听每一个音。演奏者包括南音四大件——洞箫、南琶、二弦、三弦，两名打击乐手（含印度鼓），维纳琴（印度乐器）与大提琴，以及两名演唱者，其中一名是南音女声，另一名是印度歌手。此外，还专门制作了伴随音乐的电子环绕声。

1.《谛》

音乐会开场以女声独唱呈现：一名身着白色长裙的歌者，以古老的南音缓缓吟唱。舞台中央一束淡雅白光，营造出空灵氛围，顿时令观众屏住呼吸。那少女般的独白，传递着遥远的天籁之声。正如音乐会创作团队所说：“世界喧嚣浮躁，纷乱扰心。古老的呼吸与律动，逐渐被快速喧哗的现今社会打乱。《谛》引领我们细听喧哗之下渴望的秩序，开启寻找平衡与真实的宁静。”南音吟唱之后，一名印度女歌手吟唱古老的印度传统音乐卡比提拉纳。两种文化无缝衔接、精妙交融。不同的文化、不同的民族，通过歌声呼唤着同一声呼吸、同一脉律动、同一道音流。随着音乐推进，南印度维纳琴与印度打击乐的一段演奏，以其独特韵味、透亮音色与运腔式表达，令观众倍感新奇，并渐渐被那舒缓的韵律感染。

2.《聆》

《聆》这一章节，平静如寒冬绽放的梅花，脆弱却坚定。心若不定，安宁亦可成风暴。它以音乐为镜，引我们在声音中寻回静谧，在寂然中听见安宁。音乐以南音四大名谱之一的《梅花操》素材为主，古朴宁静，再辅以舞台效果的烘托，把观众带入一个世外桃源般的仙境。

3.《省》

《省》徘徊于对立之间，反思过往，在冲突中寻找共鸣，在记忆中重拾和谐。音乐由印度鼓与南音乐器交织而成，带有音高的鼓声与南琶、三弦错落交织，演奏精准，配合默契，律动多变，将繁与简、浓与淡、近与远、有限与无限的东方审美表达推向极致。

4.《悟》

《悟》告诉我们，真理不是雷霆，而是呼吸间的觉知。让声音化作领悟，柔和而坚定。在两种文化的交汇中，澄明浮现，我们终于看见，那光，一直都在心中。音乐以印度乐器维纳琴为主奏，以独奏为主，其他乐器呼应，由近到远、由远而近，始终保持着一种有序的张力变化。尤其在南音四大件乐器的陪衬下，一种独特的声音在观众耳边呈现，带来无限遐想。

5.《释》

《释》无言，无执，唯有呼吸，唯有存在。让音乐自由流淌，温柔而完整——放下，便是回归。依然在喧哗中，但这一次遇见宁静，是自主的呼吸与律动。音乐将南音乐器、印度乐器、南音演唱与印度歌手演唱融为一体；舞台上灯光与声响不断变化，器乐与演唱层层融合，把音乐会推向高潮。最终，一切聚合为“同一声呼吸、同一脉律动、同一道音流”。

本场音乐会最值得深思之处，或许不在“融合”本身，而在融合的尺度与边界。用中国传统美学的话语来概括，即“移步而不换形”。

“移步而不换形”一语，原是中国戏曲美学中关于继承与革新关系的重要命题。其核心在于：艺术形态可以随时代而变，表现手段可以因语境而新，但内在的文化基因、审美神韵与精神品格不可轻易置换。将此命题移之于国乐发展，同样具有方法论意义。

刘天华先生当年提出“国乐要与世界音乐并驾齐驱”，其深意并非以西方音乐标准改造国乐，亦非以国乐元素简单拼贴于世界音乐之潮流，而是在坚守国乐主体性的前提下，打开与外来音乐对话的空间，在交流中激活传统，在互鉴中拓展边界。这一理想，至今仍是未竟之业。

湘灵音乐社此次的探索，恰恰提供了一个可资分析的案例。从表面看，音乐会的做法不可谓不大胆：南音与印度古典音乐两种异质传统并置，维纳琴与洞箫同台，电子环绕声与南音古谱共存，全黑舞台与极简灯光将视觉干扰降到最低。然而，若细察其内在逻辑，便会发现，一切“移步”之处，皆以“不换形”为底线。

南音的洞箫、南琶、二弦、三弦四大件始终在场，《梅花操》的古老骨架未被拆解，南音唱腔的咬字行腔、气韵呼吸，依旧是整场音乐会的灵魂线索。印度音乐元素的介入，不是覆盖，而是对话；不是替代，而是映照。两种传统各自保持其音律体系、演奏法与审美逻辑，在并置中生成新的张力，而非在混合中消解各自的面目。

这里涉及一个更深层的理论问题：传统音乐在当代的生存方式，究竟是“博物馆式保存”还是“活态化延展”？前者将传统视为不可触碰的遗产，后者则承认传统只有在不断的当代表达中才能真正延续。湘灵音乐社的选择显然属于后者。但“活态化”绝非无原则的通俗化或市场化。丁马成先生当年倡导“改革南音、重振南音”，其前提是“扎根传统”——先深入，再走出；先守正，再创新。这一顺序不可颠倒。本场音乐会中，年轻乐手之所以能够在跨界语境中游刃有余，恰恰因为他们首先是传统音乐扎实的继承者。没有对南音指法、韵腔、律制的深度掌握，所谓的“创新”便容易沦为无根之木、无源之水。

由此反观当下民乐发展中的某些现象，更可见“移步而不换形”的针对性。近二十年来，国乐界“跨界”“融合”“新民乐”等实践层出不穷，其中不乏成功之作，但也时有以牺牲传统韵味为代价的“伪创新”：或以西方和声体系覆盖民族音乐的线性思维，或以流行节奏取代传统板眼，或以视觉奇观冲淡听觉本体。其结果往往是“移步”过大而“换形”过甚，传统音乐的文化身份在喧哗中变得模糊不清。湘灵音乐社的这场音乐会，则提供了一种反向的启示：跨界可以走得很远，但根脉必须扎得很深；声音可以很新，但灵魂必须很老。

更值得注意的是，这场音乐会的呈现方式本身就构成了一种态度。全黑舞台、淡光追人、电子环绕声与极简视觉，所有这些“当代性”的手段，服务的是一个古老的命题——聆听。正如创作团队所言“世界喧嚣浮躁，纷乱扰心”，正是当代人听觉生态的真实写照。音乐会以“谛”开篇，以“释”收束，从“细听喧哗之下渴望的秩序”到“同一声呼吸、同一脉律动、同一道音流”，其内在精神指向的，不是音响的堆砌，而是听觉的净化；不是文化的炫技，而是心灵的安顿。在这个意义上，音乐会所完成的不只是一次跨文化的音乐实验，更是一次对“何谓传统之当代性”的追问与作答。

因此，“移步而不换形”绝非保守主义的托词，而是对传统艺术当代转化中“度”的把握。移步，意味着面向时代、面向世界、面向新的听众与新的表达可能；不换形，意味着无论走多远，回望时依然能辨认出那条来路。湘灵音乐社以八十余年的社团积淀、几代人的薪火相传，为这一命题提供了一份来自实践的回答。这份回答未必是唯一答案，但它至少证明：古老的南音可以在当代京城的中秋之夜，以“今声”奏响，而不失其为南音。

这场音乐会的成功，在于大胆尝试将多种不同元素、不同声音融合在一起，做到无缝嫁接。这为中国器乐发展提供了一种启示：将古老的南音与古老的印度音乐相融合，打造适应时代的声音与律动，让古老文化在当代落地。

另一个令人印象深刻之处，是乐手整体普遍年轻。他们首先扎扎实实学习古老的传统音乐，无论演奏技能还是对传统音乐的掌握，都堪称优秀。除掌握传统音乐外，他们还需具备良好的专业音乐素养与技能，例如对音准、节奏、音色的新理解，方能使这场音乐会达到如此高的水准。他们通过艰辛努力与大胆探索，让传统音乐再发今声。愿这朵灿烂而羞涩的花朵，绽放得更加美好。

（作者是中国著名笛箫演奏家、北京音乐家协会副会长）